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시 (문학)

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목차

1. 개요

시는 언어를 사용하여 의미, 감정, 정서를 표현하는 예술 형식으로, 운율, 조화, 다양한 시어를 활용하여 독자에게 깊은 인상을 남긴다. 시는 고대부터 존재해왔으며, 서사시, 서정시, 풍자시 등 다양한 장르로 발전해왔다. 소네트, 하이쿠와 같은 특정 형식과 운율, 두운, 유운과 같은 음운 요소를 통해 시적 효과를 극대화한다. 현대 시는 전통적인 형식에서 벗어나 다양한 시도를 보여주며, 인공지능의 발전과 함께 새로운 가능성을 모색하고 있다.

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시 (문학)
지도 정보
일반 정보
유형문학
형태운문
하위 분류
유형별서정시
서사시
극시
특징
주요 특징운율
리듬
음보
각운
심상
상징
은유
비유
역사
기원구전 문학
발전고대 문학
고전 문학
중세 문학
근대 문학
현대 문학
관련 용어
창작시인
작시법
관련 학문문학 이론
문학 비평
시학
분야별
다양한 분야음악
미술
연극
영화
무용
건축
정치
참고 자료
목록서사시 목록
시 단체 및 운동 목록
시인 목록

2. 이름의 유래

시(詩)는 한자어로, 말씀 언(言)과 寺(관청 시)가 합쳐진 형성자이다.[287] 여기서 言이 의미기호, 寺가 소리기호이다.[287] 즉, 시는 言, 언어가 그 의미 내용의 핵심을 이루는 이름이며, 서경의 순전(舜典)에는 "시언지(詩言志, 언어로 나타낸 뜻이 곧 시)"라는 구절이 나온다.[287]

3. 특성

시는 울림, 운율, 조화를 가진 운문으로, 각 시구를 통해 의미를 전달하고 정서를 환기한다. 아리스토텔레스의 『시학』에서는 수사, 연극, 노래, 희극 등에서의 화법 사용에 초점을 맞추어 시를 정의하려는 시도가 있었다.[189] 이후 시는 반복, 시형, 운과 같은 요소에 중점을 두고, 산문과 구별되는 미학이 강조되었다.[190]

시는 단어에 다른 의미를 부여하거나 감정적·관능적인 반응을 불러일으키기 위해 독특한 형식과 규칙을 사용한다. 유사어, 두운, 의성어, 운율과 같은 도구는 음악적 또는 주술적인 효과를 내기 위해 사용된다. 모호성, 상징, 반어 및 기타 시어에 의한 문체적 요소는 종종 시 작품에 여러 해석을 가능하게 한다. 은유, 직유, 환유는[192] 이미지 간의 공명을 통해 의미를 중층화하며, 이전까지 지각되지 않았던 연결을 형성한다.

단테, 괴테, 미츠키에비치, 루미와 같은 시인의 작품처럼 운을 넣은 시행과 규칙적인 운율로 쓰인 시도 있지만,[193] 성경 시와 같이[194] 리듬과 음조를 얻기 위해 다른 접근 방식을 취하는 전통도 있다. 현대 시의 많은 부분은 시의 전통에 대해 비판적이며,[194] 음조의 원칙 자체와 장난치고, 시험하고, 경우에 따라서는 의도적으로 운을 맞추지 않거나 운율을 정하지 않기도 한다.[195] [196][197] 오늘날 세계화된 세계에서 시인들은 여러 문화와 언어에서 양식, 기법, 형식 등을 차용한다.

시의 아름다움과 힘, 효과는 양식, 기법, 형식만으로 결정되는 것이 아니다. 위대한 시는 단어를 통해 독자에게 사고와 강렬한 감정을 불러일으킴으로써 다른 것들로부터 뛰어나다.

4. 시의 역사

아카드어로 쓰여진 길가메시 서사시의 "대홍수" 점토판(기원전 2천년경)


예술의 한 형식으로서 시는 문자의 읽고 쓰기보다 먼저 존재했다고 생각할 수도 있다.[198] 고대 인도의 『베다』(기원전 1700-1200년)나 조로아스터의 『가타』(기원전 1200-900년)에서 『오디세이』(기원전 800-675년)에 이르는 고대 작품의 대부분은, 선사 시대나 고대 사회에서 기억과 구전을 보조하기 위해 시의 형태로 만들어진 것으로 보인다.[188] 시는 문자를 가진 문명의 대부분에서 초기 기록에 등장하며, 초기의 모놀리스, 룬석비, 비석 등에서 시의 단편이 발견되고 있다.

현존하는 가장 오래된 시는 기원전 3천년기의 수메르(메소포타미아, 현재 이라크)의 『길가메시 서사시』이며, 점토판이나 후에는 파피루스에 설형 문자로 쓰여 있었다.[199] 그 밖의 고대 서사시에는 그리스어의 『일리아스』와 『오디세이』, 아베스타어의 『가타』와 『야스나』, 고대 로마의 민족 서사시, 베르길리우스의 『아에네이스』, 인도의 『라마야나』와 『마하바라타』 등이 있다.

시를 시로서 성립시키는 형식적 특징은 무엇이며, 좋은 시와 나쁜 시의 갈림길은 무엇인가를 결정하려는 고대 사상가들의 노력은 “시학”——시의 미학적 연구를 낳았다. 고대 사회에는, 중국의 유교의 오경 중 하나인 『시경』에 보이는 것처럼 심미적인 것뿐만 아니라 의례적으로도 중요한 시 작품의 규범을 발전시킨 것도 있었다. 최근에도 사상가들은 초서의 『캔터베리 이야기』에서 바쇼의 『오쿠노호소미치』까지의 형식적 차이, 타나크의 종교시에서 로맨틱 러브 시나 랩에 이르기까지의 맥락적 차이를 포함할 수 있는 정의를 찾기 위해 고군분투하고 있다.[200]

맥락은 시학에 있어서, 또 시의 장르나 형식의 발전에 있어서 결정적으로 중요하다. 『길가메시 서사시』이나 피르도우시의 『샤나메』[201]과 같이 역사적 사건을 서사시로 기록한 시는 필연적으로 길고 이야기적이 되는 반면, 의례를 위해 사용되는 시(성가, 시편, 수라, 하디스)는 영감을 주는 듯한 어조를 가지며, 또한 엘레지나 비극은 깊은 감정적 반응을 일으키도록 의도된다. 그 밖의 맥락으로는 그레고리오 성가, 공적·외교적 연설[202], 정치적 수사법이나 독설[203], 꾸밈없는 동요나 넌센스 시, 그리고 의학 텍스트 등도 있다.[204]

폴란드의 미학사가 블라디슬라프 타르케비치(:en:Władysław Tatarkiewicz)는 논문 “시의 개념”에서 사실상 “시의 두 개념”인 것의 진화를 추적하고 있다. 타르케비치는 “시”라는 말이 두 가지의 별개의 것에 적용되고 있으며, 이 두 가지는 시인 폴 발레리가 관찰한 것처럼 “어떤 지점에서 결합한다. 시는……언어를 기반으로 한 예술이다. 그러나 시에는 또한 더 넓은 의미가 있으며……그것은 명확한 것이 아니므로 정의하기 어렵다. 시는 어떤 종류의 ‘정신 상태’를 표현한다”[205]고 지적하고 있다.

4. 1. 초기 작품

시는 문자보다 앞서 발전했으며, 민간 서사시 및 기타 구전 장르에서 발전했다는 견해가 있다.[9][10] 그러나 시가 반드시 문자보다 앞서지 않았다는 주장도 존재한다.[11]

현존하는 가장 오래된 서사시는 기원전 3천 년경 수메르에서 만들어진 《길가메시 서사시》이다.[12] 이 서사시는 점토판에 쐐기문자로 기록되었으며, 이후에는 파피루스에도 기록되었다. 기원전 2000년경으로 추정되는 이스탄불 2461번 판은 왕이 다산과 번영을 위해 여신 이난나와 상징적으로 결혼하고 교합하는 연례 의식을 묘사하고 있다. 일부 학자들은 이를 세계에서 가장 오래된 연애시라고 평가한다.[13][14] 고대 이집트의 서사시로는 《시누헤 이야기》(기원전 1800년경)가 있다.[15]

다른 고대 서사시로는 그리스의 《일리아드》와 《오디세이》, 로마의 국가 서사시인 베르길리우스의 《아이네이스》(기원전 29년에서 19년 사이에 쓰여짐), 인도 서사시인 《라마야나》와 《마하바라타》가 있다. 고대 사회에서 서사시는 암기와 구전 전승을 돕기 위해 운문 형태로 작곡된 것으로 보인다.[11][16]

고대 종교적 시집으로는 인도의 산스크리트어로 쓰인 《리그베다》, 아베스타의 《가타스》, 《후리안 노래》, 히브리어 《시편》 등이 있으며, 이들은 민요에서 직접 발전했을 것으로 추정된다.

가장 오래된 중국 시집인 《시경》(''시경'')의 가장 오래된 항목은 처음에 서정시였다.[17] 시집과 민요 모음인 시경은 철학자 공자에 의해 높이 평가되었으며, 공식적인 유교 경전 중 하나로 간주된다. 그가 이 주제에 대해 한 발언은 고대 음악 이론에서 귀중한 자료가 되었다.[18]

고대 사상가들은 시를 형식으로서 독특하게 만드는 요소와 좋은 시와 나쁜 시를 구분하는 요소를 규명하려는 노력을 통해 "시학"—시의 미학에 대한 연구—을 낳았다.[19] 중국의 《시경》을 통해 볼 수 있듯이, 일부 고대 사회는 의례적이면서도 미적 중요성을 지닌 시 작품의 정경을 발전시켰다.[20]

4. 2. 서구의 전통

서구 문화권의 고전 사상가들은 시의 질을 정의하고 평가하는 방법으로 분류를 사용했다. 특히 아리스토텔레스의 『시학』은 서사시, 희극, 비극의 세 가지 시 장르를 설명하고, 각 장르의 근본적인 목적에 따라 각 장르에서 가장 질 높은 시를 구분하는 규칙을 제시한다.[25] 후대 미학자들은 서사시, 서정시, 극시의 세 가지 주요 장르를 구분하고, 희극과 비극을 극시의 하위 장르로 다루었다.[26]

아리스토텔레스의 저술은 이슬람 황금기 동안 중동 전역과 르네상스 시대 유럽에서 영향력을 행사했다.[27][28] 후대의 시인들과 미학자들은 종종 시를 산문과 구분하고, 논리적 설명과 선형적 서사 구조에 대한 경향이 있는 글쓰기로서 산문과 대조적으로 시를 정의했다.[29] 이는 시가 비논리적이거나 서사가 부족하다는 것을 의미하는 것이 아니라, 오히려 시는 논리적 또는 서사적 사고 과정에 매달리지 않고 아름다움이나 장엄함을 표현하려는 시도라는 것을 의미한다. 영국의 낭만주의 시인 존 키츠(John Keats)는 이러한 논리로부터의 탈출을 네거티브 케이퍼빌리티(Negative Capability)("소극적 능력")라고 불렀다.[30] 이러한 "낭만적" 접근 방식은 형식을 성공적인 시의 핵심 요소로 본다. 왜냐하면 형식은 추상적이며 근본적인 개념적 논리와 구별되기 때문이다. 이러한 접근 방식은 20세기까지도 영향력을 유지했다.[31]

18세기와 19세기 동안에는 유럽 식민주의의 확산과 그에 따른 세계 무역의 증가로 인해 다양한 시적 전통 간의 상호 작용이 상당히 증가했다.[32] 낭만주의 시대에는 번역의 붐과 함께 수많은 고대 작품들이 재발견되었다.[33]

4. 3. 20세기와 21세기의 논쟁

20세기 문학 이론가들은 시를 단순히 언어를 사용한 창작 활동으로 정의하고, 시인을 창작자로 규정하는 데 초점을 맞추었다.[34] 모더니즘 시인들은 시 창작과 다른 매체에서의 창작 행위를 본질적으로 구분하지 않았으며, 일부는 시를 정의하려는 시도 자체를 비판했다.[35] 아치볼드 맥리시(Archibald MacLeish)는 자신의 시 『시론』에서 "시는 의미해서는 안 된다/ 존재하는 것이다."라는 말로 이러한 정의에 대한 거부를 표현했다.

20세기 전반, 시의 전통적인 형식과 구조에 대한 거부는 시적 산문과 산문적 시의 예를 통해 시의 정의와 시와 산문의 구별에 대한 의문과 함께 나타났다. 많은 모더니즘 시인들은 비전통적인 형식이나 전통적으로 산문으로 간주되었을 만한 것으로 글을 썼지만, 그들의 글은 시적인 어휘와 비운율적 수단으로 확립된 리듬과 어조를 담고 있었다.[36] 모더니즘 사조 내에서 구조의 붕괴에 대한 형식주의적 반응으로 새로운 형식 구조와 종합의 발전이 이루어지기도 했다.[36]

포스트모더니즘은 시인의 창조적 역할뿐만 아니라 텍스트 독자의 역할(해석학)과 시가 읽히는 문화적 맥락을 강조한다.[37] 오늘날 시는 종종 다른 문화와 과거의 시적 형식과 어휘를 통합하여, 서구 정전과 같은 전통 내에서 한때 의미가 있었던 정의와 분류 시도를 더욱 어렵게 만든다.[38]

21세기 초 시 전통은 휘트먼, 에머슨, 워즈워스와 같은 이전의 선구자적 시 전통에 강하게 지향하는 것으로 보인다. 문학 비평가 제프리 하트만(Geoffrey Hartman)은 오래된 시적 전통에 대한 현대적 반응을 "사실이 더 이상 형태를 갖지 않는다는 사실에 대한 두려움"으로 묘사하는 "요구의 불안"이라는 표현을 사용했는데,[39] 이는 에머슨의 "사실에게 형태를 요구하기만 하면 된다"는 주장을 바탕으로 한 것이다.

2020년대에는 인공 지능(AI), 특히 대규모 언어 모델의 발전으로 특정 스타일과 형식의 시를 생성할 수 있게 되었다.[41] 2024년 연구에 따르면 AI가 생성한 시는 비전문가 독자들에 의해 유명한 인간 작가가 쓴 시보다 리듬감 있고, 아름답고, 인간적인 것으로 평가되었다.[42]

5. 세계의 시

5. 1. 한국의 시

기록상으로 남아 있는 한국의 시의 종류는 다음과 같다. 한글이 반포되기 전의 한국어시는 향찰이나 이두로 기록되었다.

  • 향가
  • 고려 가요
  • 시조 - 3.4.3.4 / 3.4.3.4 / 3.5.4.3으로 진행되는 한국어 시이다.
  • 한시
  • 현대시


== 상고 시대 ==

고대 한민족은 제천 의식과 가무를 통해 시가 문학을 만들어 냈다. 고대 한민족은 제천 의식과 가무를 통해 문학의 창조적 싹을 틔워 왔다. 시가의 기원은 원시 고대적 공동체 사회의 제의(祭儀)에서 발생하였다. 제천 의식 때 제주(祭主)가 되는 기도사(祈禱詞)나 송축사(頌祝詞), 민족적 시조신(始祖神)이나 영웅을 칭송하는 제사(祭詞) 같은 것은 신악(神樂)이나 율동적인 무용과 아울러 종합 예술의 분위기를 형성했고, 또 이것이 민족 문학의 모체가 되어 주었다. 예컨대,《삼국지》 〈동이전〉의 기록에 고구려 민족은 가무를 좋아하며 10월 제천시 국중에 대회를 갖는데, 이를 동맹이라 했다 한다. (→고구려의 제천 행사 참조) 이러한 제의에서 불린 노래가 곧 삼국 초기의 시가 문학이다. 시가는 분화되어 악기를 연주하는 노래로 발전하고, 지금은 음악으로부터 유리된 가사만이 변천의 과정을 겪고 문자로 정착되어 있는 것이다. 《삼국유사》의 가락국기(駕洛國記)에 기록된 가야 건국 신화 속에 낀 원시 시가의 유편인 〈구지가〉, 〈황조가〉, 〈공후인〉 등이 신화·전설 속에 묻혀 오늘날까지 그 가사의 내용이 한역(漢譯)으로 전해지고 있다. 이 중, 〈황조가〉는 연애 감정을 표현한 서정적인 내용의 작품으로서 집단적인 원시 문학으로부터 개인적인 고대 서정 문학으로 이행하는 과정에서 성립된 것으로 보인다.

== 삼국 시대 ==

삼국은 각기 부족 연맹으로부터 세력을 키워 고대 국가로 성장하였으며, 이 과정에서 자체의 문학을 발전시켰던 것으로 보인다. 삼국이 초창기에는 아직 문화적으로 제의와 밀접히 관련된 원시의 치졸한 단계에 머물러 있던 것이 삼국 시대에 이르러서는 이러한 집단적·제의적 성격을 탈피하여 개인적인 문학예술이 발달을 보게 된 것이다. 향가는 세련된 개인 창작시로서 남북국 시대의 문학을 대표하고 있다. 신라 유리 이사금 연대에 지어진 〈도솔가〉, 〈회소곡〉 등은 농업 국가를 형성한 신라 민족의 제신적인 성격에서 벗어난 비종교적인 시가이다. 향가는 신라의 삼국 통일 이후 본격적으로 발달한 시가 양식이다. 이것은 특히 경주 지방을 중심으로 한 화랑·승려 등 신라의 중앙 귀족층에 의해서 발달된 것으로 보인다. 따라서 제의적·민요적인 것과는 달리 개인 창작 예술로서 어디까지나 귀족 문학인 것이다. 이 향가의 완성형은 10구체이며, 그 과도기적인 형태로서 4구체와 8구체가 있다. 내용 면에서 보면, 주로 생사(生死) 등 인생의 심각한 문제를 높은 종교적인 차원으로까지 끌어올려 우아한 언어로 표현한 고상한 서정시이다. 현재 전통적인 신라 향가 14수와 균여의 불교찬가로 지어진 11수가 전하고 있다. 신라 말기에 위홍과 대구화상에 의해 향가집 〈삼대목〉이 편찬되었다고는 하나 현재는 전하지 않는다.

== 고려 시대 ==

고려 가요는 고려 시대 민중의 삶과 감정을 진솔하게 담아낸 시가 양식이다. 대표적인 작품으로는 청산별곡, 가시리, 서경별곡 등이 있다.

== 조선 시대 ==

시조는 3장 6구 45자 내외로 쓰여지는 정형시이다. 조선 시대에 널리 창작되었다. 각 행의 중간에 휴지가 있어, 영어 등에서는 3행이 아닌 6행으로 인쇄되기도 한다.[266] 윤선도 (1587 - 1671)의 작품에서:

중세 한국어현대한국어일본어 번역
내 벗이 몇이나 하니 수석과 송죽이라내 벗이 몇이나 하니 수석과 송죽이라僕に友達が何人いるかって？　水に石に、竹に松。
동산에 달 오르니 그 더욱 반갑고야동산에 달 오르니 그 더욱 반갑도다東の丘に昇る月も楽しい仲間。
두어라 이 다섯 밖에 또 더해야 무엇하리두어라, 이 다섯 밖에 또 더해야 무엇하리この5人の仲間の他に、どんな楽しみが要るというんだい？



== 현대시 ==

개화기 이후 서구 문학의 영향을 받아 전통적인 시 형식을 벗어난 자유시, 산문시 등 다양한 형태의 현대시가 등장했다. 김소월, 한용운, 윤동주, 백석, 서정주, 김수영 등 많은 시인들이 한국 현대시를 발전시켰다. 현대시는 개인의 내면세계, 사회 현실, 역사적 사건 등 다양한 주제를 다루고 있다.

5. 1. 1. 상고 시대

고대 한민족은 제천 의식과 가무를 통해 시가 문학을 만들어 냈다. 고대 한민족은 제천 의식과 가무를 통해 문학의 창조적 싹을 틔워 왔다. 시가의 기원은 원시 고대적 공동체 사회의 제의(祭儀)에서 발생하였다. 제천 의식 때 제주(祭主)가 되는 기도사(祈禱詞)나 송축사(頌祝詞), 민족적 시조신(始祖神)이나 영웅을 칭송하는 제사(祭詞) 같은 것은 신악(神樂)이나 율동적인 무용과 아울러 종합 예술의 분위기를 형성했고, 또 이것이 민족 문학의 모체가 되어 주었다. 예컨대,《삼국지》 〈동이전〉의 기록에 고구려 민족은 가무를 좋아하며 10월 제천시 국중에 대회를 갖는데, 이를 동맹이라 했다 한다. (→고구려의 제천 행사 참조) 이러한 제의에서 불린 노래가 곧 삼국 초기의 시가 문학이다. 시가는 분화되어 악기를 연주하는 노래로 발전하고, 지금은 음악으로부터 유리된 가사만이 변천의 과정을 겪고 문자로 정착되어 있는 것이다. 《삼국유사》의 가락국기(駕洛國記)에 기록된 가야 건국 신화 속에 낀 원시 시가의 유편인 〈구지가〉, 〈황조가〉, 〈공후인〉 등이 신화·전설 속에 묻혀 오늘날까지 그 가사의 내용이 한역(漢譯)으로 전해지고 있다. 이 중, 〈황조가〉는 연애 감정을 표현한 서정적인 내용의 작품으로서 집단적인 원시 문학으로부터 개인적인 고대 서정 문학으로 이행하는 과정에서 성립된 것으로 보인다.

5. 1. 2. 삼국 시대

삼국은 각기 부족 연맹으로부터 세력을 키워 고대 국가로 성장하였으며, 이 과정에서 자체의 문학을 발전시켰던 것으로 보인다. 삼국이 초창기에는 아직 문화적으로 제의와 밀접히 관련된 원시의 치졸한 단계에 머물러 있던 것이 삼국 시대에 이르러서는 이러한 집단적·제의적 성격을 탈피하여 개인적인 문학예술이 발달을 보게 된 것이다. 향가는 세련된 개인 창작시로서 남북국 시대의 문학을 대표하고 있다. 신라 유리 이사금 연대에 지어진 〈도솔가〉, 〈회소곡〉 등은 농업 국가를 형성한 신라 민족의 제신적인 성격에서 벗어난 비종교적인 시가이다. 향가는 신라의 삼국 통일 이후 본격적으로 발달한 시가 양식이다. 이것은 특히 경주 지방을 중심으로 한 화랑·승려 등 신라의 중앙 귀족층에 의해서 발달된 것으로 보인다. 따라서 제의적·민요적인 것과는 달리 개인 창작 예술로서 어디까지나 귀족 문학인 것이다. 이 향가의 완성형은 10구체이며, 그 과도기적인 형태로서 4구체와 8구체가 있다. 내용 면에서 보면, 주로 생사(生死) 등 인생의 심각한 문제를 높은 종교적인 차원으로까지 끌어올려 우아한 언어로 표현한 고상한 서정시이다. 현재 전통적인 신라 향가 14수와 균여의 불교찬가로 지어진 11수가 전하고 있다. 신라 말기에 위홍과 대구화상에 의해 향가집 〈삼대목〉이 편찬되었다고는 하나 현재는 전하지 않는다.

5. 1. 3. 고려 시대

고려 가요는 고려 시대 민중의 삶과 감정을 진솔하게 담아낸 시가 양식이다. 대표적인 작품으로는 청산별곡, 가시리, 서경별곡 등이 있다.

5. 1. 4. 조선 시대

시조는 3장 6구 45자 내외로 쓰여지는 정형시이다. 조선 시대에 널리 창작되었다. 각 행의 중간에 휴지가 있어, 영어 등에서는 3행이 아닌 6행으로 인쇄되기도 한다.[266] 윤선도 (1587 - 1671)의 작품에서:

중세 한국어현대한국어일본어 번역
내 벗이 몇이나 하니 수석과 송죽이라내 벗이 몇이나 하니 수석과 송죽이라僕に友達が何人いるかって？　水に石に、竹に松。
동산에 달 오르니 그 더욱 반갑고야동산에 달 오르니 그 더욱 반갑도다東の丘に昇る月も楽しい仲間。
두어라 이 다섯 밖에 또 더해야 무엇하리두어라, 이 다섯 밖에 또 더해야 무엇하리この5人の仲間の他に、どんな楽しみが要るというんだい？


5. 1. 5. 현대시

개화기 이후 서구 문학의 영향을 받아 전통적인 시 형식을 벗어난 자유시, 산문시 등 다양한 형태의 현대시가 등장했다. 김소월, 한용운, 윤동주, 백석, 서정주, 김수영 등 많은 시인들이 한국 현대시를 발전시켰다. 현대시는 개인의 내면세계, 사회 현실, 역사적 사건 등 다양한 주제를 다루고 있다.

5. 2. 아랍의 시

5. 3. 중국의 시

고전 중국 시가의 주요 유형인 시(詩, shī)는[119] "민요" 스타일의 운문(《악부》), "구체" 운문(《고시》), "근체" 운문(《근체시》) 등 다양한 형태로 발전하였다.[120] 악부는 민요 발라드 또는 민요 발라드 스타일로 쓰여 행의 수와 길이가 불규칙할 수 있는 반면, 시의 다른 변형은 일반적으로 4행시(《절구》) 또는 8행시가 일반적이며 짝수 행이 운을 맞추는 것이 필수적이다.[120] 행의 길이는 주로 5글자 또는 7글자로, 마지막 세 음절 앞에 시적 휴지가 있다.[120]

두보, “노자 사당 방문”


"구체"(고시)는

근체시 규칙은 시 내부의 음조 변화, 사성 패턴의 사용을 규제한다.[122] 근체시의 기본 형식은 8행이며, 둘째와 셋째 짝을 이룬 구절의 행 사이에 평행이 있다. 평행선을 가진 짝을 이룬 구절은 대조적인 내용을 포함하지만 단어 간의 동일한 문법적 관계를 갖는다.[122] 근체시는 종종 풍부한 시적 어휘를 가지고 있으며, 암시로 가득 차 있고, 역사와 정치를 포함한 광범위한 주제를 다룰 수 있다.[122][123] 당나라(8세기) 시대에 활동한

5. 4. 일본의 시

일본의 시는 와카, 하이쿠, 센류 등 다양한 형태로 발전했다.

단가(Tanka)는 5·7·5·7·7의 31음절(온(On)으로, 음절(Mora)과 동일)로 구성된 운이 없는 일본 시의 한 형태이다.[130] 일반적으로 상단 5-7-5 음절과 하단 7-7 음절 사이에는 어조와 주제가 변화한다. 아스카 시대 초기에 가카모토노 히토마로(활동 시기: 7세기 후반)와 같은 시인들에 의해 쓰여졌는데, 당시 일본은 중국식 형태를 따르는 시가 많았던 시대에서 벗어나고 있었다.[131] 단가는 원래 일본의 정형시(일반적으로 "와카(waka)"라고 불림) 중 짧은 형태였으며, 공적인 주제보다는 개인적인 주제를 탐구하는 데 더 많이 사용되었다. 10세기가 되면서 단가는 일본 시의 주요 형태가 되어, 원래 일반적인 용어였던 "와카"(일본 시)는 단가를 가리키는 용어로만 사용되게 되었다.[132]

가카모토노 히토마로


하이쿠(Haiku)는 17세기에 렌쿠(renku)의 첫 구절인 호쿠(hokku)에서 발전한, 운이 없는 일본의 인기 시 형식이다.[133] 일반적으로 한 줄로 세로로 작성되며, 총 17온(on)(음절)으로 구성되고 5-7-5의 형식을 따른다. 전통적으로 하이쿠는 키레지(kireji)라고 하는, 보통 시의 세 부분 중 한 부분의 끝에 놓이는 '끊는 말'과 키고(kigo)라고 하는 계절 단어를 포함한다.[134] 마쓰오 바쇼(1644–1694)는 하이쿠의 가장 유명한 작가이다.[135]

메이지 15년의 『신체시초』로 시작되는 메이지 시대의 신체시는 일본 고유의 문어와 칠오조를 사용하여 서구 시(poetry)를 재현하려고 시도했고,[270] 같은 메이지 시대에 언문일치 운동에 의해 그 부정을 맞이한다. 이 때문에 문어를 사용하는가 아닌가에 따라 문어시와 구어시, 칠오조 등의 음수율을 사용하는가 아닌가에 따라 정형시와 자유시를 구별하고, 그 조합으로 "문어 정형시", "문어 자유시", "구어 정형시", "구어 자유시"(행 나누기 시)의 분류가 이루어진다.[271] 또한 메이지 이후의, 종래의 와카, 하이쿠, 한시 등이 아닌 서구식 시를 근대시(신체시를 포함하는 경우와 포함하지 않는 경우가 있다[272]), 전후의 것을 현대시라고 부른다. 단가나 하이쿠에서 음수율을 따르지 않는 것은 자유시가 아니라 자유율이라고 불린다.

하기와라 사쿠타로. 『달을 짖는다 (하기와라 사쿠타로 시집)』(1917년)는 구어 자유시의 가능성을 크게 확장했다.

6. 시의 요소

6. 1. 운율론

운율론은 시의 운율, 리듬, 그리고 억양을 연구하는 학문이다. 리듬과 운율은 서로 다르지만 밀접하게 관련되어 있다.[43] 운율은 (5음보 암시체와 같은) 한 연(verse)에 대해 확정된 패턴을 말하는 반면, 리듬은 시구에서 실제로 들리는 소리이다. 운율론은 또한 운율을 보여주기 위해 시구를 분석하는 것을 더 구체적으로 가리키는 데 사용될 수 있다.[44]

6. 1. 1. 리듬

로빈슨 제퍼스(Robinson Jeffers)


마리안느 무어(Marianne Moore)


시적 리듬을 만드는 방법은 언어와 시적 전통에 따라 다양하다. 일본어는 모라 중심 언어이고, 라틴어, 프랑스어, 스페인어 등은 음절 중심 언어이다. 영어, 러시아어, 독일어는 강세 중심 언어에 속한다.[45] 억양의 다양성 또한 리듬 인식에 영향을 준다.

히브리어 성서 시가는 대구법을 주요 장치로 사용했는데, 이는 연속적인 줄이 문법 및 음향 구조, 개념적 내용 등에서 서로를 반영하는 수사적 구조이다.[50]

현대 영어 운문에서는 규칙적인 운율보다는 느슨한 운율 단위를 기반으로 리듬이 구성되는 경우가 많다. 로빈슨 제퍼스, 마리안느 무어, 윌리엄 카를로스 윌리엄스는 규칙적인 강세 운율이 영어 시에 중요하다고 생각하지 않았다.[52]

6. 1. 2. 운율



서구 시적 전통에서 운율은 특징적인 음보와 행당 음보의 수에 따라 분류된다.[55] 행의 음보 수는 그리스 용어를 사용하여 설명하는데, 예를 들어 네 음보는 4음보격, 여섯 음보는 6음보격이다.[56]

upright

  • 5음보 암보격 (약강오보격): 한 행에 다섯 개의 음보로 구성된 음보로, 가장 두드러진 음보의 종류는 "암보"(이암보스)이다. 이 음보 체계는 고대 그리스 시에서 유래하여 핀다로스와 사포와 같은 시인들과 아테네의 위대한 비극 작가들이 사용했다. 윌리엄 셰익스피어 등이 사용했다.[57][58]
  • 6음보 활보격 (강약약육보격): 한 행에 여섯 개의 음보로 구성되며, 그중 지배적인 음보의 종류는 "활보"(닥틸)이다. 6음보 활보격은 그리스 서사시의 전통적인 음보였으며, 호머와 헤시오도스의 작품이 가장 오래된 예이다.[57] 헨리 워즈워스 롱펠로 등이 사용했다.[58]


영어에서 가장 일반적인 음보는 다음과 같다.[59]

  • 암보(이암보스, 약강격/단장격) – 무강세 음절 하나 뒤에 강세 음절이 따름 (예: des-'''cribe''')
  • 영운격(트로카이오스, 강약격/장단격) – 강세 음절 하나 뒤에 무강세 음절이 따름 (예: '''pic'''-ture)
  • 활보(닥틸, 강약약격/장단단격) – 강세 음절 하나 뒤에 무강세 음절 두 개가 따름 (예: '''an'''-no-tate)
  • 용운격(아나페스트, 약약강격/단단장격) – 무강세 음절 두 개 뒤에 강세 음절이 따름 (예: com-pre-'''hend''')
  • 장운격(스폰데이오스, 강강격/장장격) – 강세 음절 두 개가 연속됨 (예: '''heart'''-'''beat''')
  • 단운격(피리키오스, 약약격/단단격) – 무강세 음절 두 개가 연속됨 (드물며, 일반적으로 6음보 활보격의 끝에 사용됨)


그리스와 라틴시에서 유래한 4음절 음보인 코리암보(강약약강격/장단단장격)도 있다.[57]

튀르키예어와 베다어와 같이, 강세보다 모음의 길이나 억양을 사용하여 음보를 결정하는 언어는 암보와 활보와 유사한 개념을 가지고 있다.[61]

암보는 영어에서 가장 자연스러운 리듬 형태이며, 일반적으로 미묘하지만 안정적인 운율을 생성한다.[62][228] 음보 분석은 종종 구절의 기본 패턴을 보여주지만, 다양한 강세와 음절의 높낮이, 길이는 보여주지 않는다.[63]

로버트 핀스키는 활보가 고전 운문에서 중요하지만, 영어 활보 운문은 활보를 매우 불규칙적으로 사용하며, 암보와 용운격의 패턴을 기반으로 더 잘 설명될 수 있다고 주장했다.[64][230] 블라디미르 나보코프는 강조되지 않은 강세를 강조된 강세와 구별하기 위해 "스커드(scud)"라는 용어를 제안했다.[65][231]

6. 1. 3. 운율 패턴

서로 다른 시 전통과 장르는 셰익스피어의 5음보 10음절시와 호머의 6음보 다카틸시에서부터 많은 자장가에서 사용되는 3음보 4행시에 이르기까지 다양한 운율을 사용하는 경향이 있다.[66] 그러나 특정 음보나 행에 강조점을 주거나 지루한 반복을 피하기 위해 확립된 운율에 대한 여러 변형이 일반적이다. 예를 들어, 음보의 강세가 역전될 수도 있고, 시적 휴지(또는 쉼)가 추가될 수도 있으며(때로는 음보나 강세 대신), 행의 마지막 음보에는 운율을 부드럽게 하기 위해 여성형 종결이 주어지거나 강조하고 단호한 마침표를 만들기 위해 장음보로 대체될 수 있다. 일부 패턴(예: 5음보 10음절시)은 상당히 규칙적인 경향이 있는 반면, 다른 패턴(예: 6음보 다카틸시)은 매우 불규칙적인 경향이 있다.[66] 규칙성은 언어에 따라 다를 수 있다. 또한, 서로 다른 패턴은 종종 서로 다른 언어에서 독특하게 발전하기 때문에, 예를 들어 러시아어의 4음보 8음절시는 일반적으로 운율을 강화하기 위해 악센트 사용의 규칙성을 반영하는데, 이는 영어에서는 발생하지 않거나 훨씬 적은 정도로 발생한다.[67]

알렉산드르 푸슈킨


주목할 만한 시인과 그들의 작품을 예로 들어 몇 가지 일반적인 운율 패턴은 다음과 같다.

  • 5음보 10음절시 (존 밀턴, ''실낙원''; 윌리엄 셰익스피어, ''소네트'')[68]
  • 6음보 다카틸시 (호머, ''일리아드''; 베르길리우스, ''아이네이스'')[69]
  • 4음보 8음절시 (앤드류 마벨, "그의 수줍은 여인에게"; 알렉산드르 푸슈킨, ''예브게니 오네긴''; 로버트 프로스트, ''눈 내리는 저녁 숲에서'')[70]
  • 8음보 강세시 (에드거 앨런 포, "까마귀")[71]
  • 4음보 강세시 (헨리 워즈워스 롱펠로, ''히아왓하의 노래''; 핀란드의 서사시 ''칼레발라''도 핀란드어와 에스토니아어의 자연스러운 리듬인 4음보 강세시이다.)
  • 알렉상드랭프랑스어 (장 라신, ''페드르'')[72]


한시의 5언시와 7언시, 일본의 5·7조와 7·5조도 여기에 추가할 수 있을 것이다. 한시에는 성조에 "평측"(平仄)이라는 규칙이 있다.

6. 2. 운율, 두운, 유운

각운, 두운, 유운, 자음운은 음성의 반복되는 패턴을 만들어내는 방법이다. 이들은 시의 독립적인 구조 요소로서, 리듬 패턴을 강화하거나, 또는 장식적인 요소로 사용될 수 있다.[240]

각운은 시행의 끝(각운) 또는 다른 예측 가능한 위치(중간운)에 동일(hard-rhyme)하거나 유사(soft-rhyme)한 음을 배치하는 것이다.[241] 언어에 따라 각운 구조의 풍부함에는 차이가 있다. 예를 들어 이탈리아어는 풍부한 각운 구조를 가지고 있어, 소수의 각운 조합으로 긴 시를 지속할 수 있다. 이 풍부함은 규칙적인 형태의 어미 때문이다. 영어는 다른 언어에서 차용한 불규칙적인 어미가 많기 때문에 각운이 그다지 풍부하지 않다.[242] 각운 구조의 풍부함은 그 언어에서 어떤 시 형식이 일반적으로 사용되는지를 결정하는 데 중요한 역할을 한다.[243]

고대 영어(Old English) 서사시 《베오울프(Beowulf)》는 두운법(頭韻法)으로 쓰여졌다.


두운과 유운은 초기 게르만어, 노르드어, 고대 영어 시를 구성하는 데 중요한 역할을 했다. 초기 게르만 시의 두운 패턴은 그 구조의 주요 부분으로서 운율과 두운을 섞어서, 운율 패턴에 따라 듣는 사람이 언제 두운이 올 것이라고 기대하는지 결정할 수 있도록 했다. 이것은 근대 유럽 시의 대부분에서 볼 수 있는 것처럼, 규칙적이지 않거나, 연 전체에서 완성되지 않는 장식적인 두운의 사용과 대조될 수 있을 것이다.[244] 두운은 각운 구조가 풍부하지 않은 언어에서 특히 유용하다.[245] 유운은 어두나 어미에서의 비슷한 음성이 아니라 어중간에서 비슷한 모음을 사용하는 것으로, 스칼드 시에서 널리 사용되었지만, 이것은 호메로스 시대까지 거슬러 올라간다. 영어에서는 동사가 많은 피치를 가지고 있기 때문에, 유운이 한시의 성조 요소를 부드럽게 환기시킬 수 있으므로 한시 번역에 유용하다. 자음운은 하나의 자음을 문장 곳곳에서(어두뿐만 아니라) 반복하는 것이다. 자음운은 두운에 비해 미약한 효과만을 일으키기 때문에, 구조적인 요소로서의 유용성도 낮다.

『영시에 대한 언어학적 안내』(Longmans, 1969)에서 제프리 리치는 운을 6가지 음성 패턴으로 분류했다. 이들은 관련 단어를 구성하는 부분 중 하나 또는 두 개가 변할 수 있는 6가지 가능한 방법으로 정의되어 있다. 아래 표에서는 불변의 부분을 대문자/굵은 글씨체로 표시한다. C는 자음군(하나의 자음으로 한정되지 않음)을, V는 모음을 나타낸다.

종류패턴영어 예시 1영어 예시 2프랑스어 예시[246]일본어 예시(의사적)
두운C v cgreat/growsend/sitplace/pleur메ㄴ코/메다카
유운(모음운)c V cgreat/failsend/bellplace/femme(메ㄴ코/킨쿠)
자음운c v Cgreat/meatsend/handplace/tresse---
역운 (Reverse Rhyme)C V cgreat/grazedsend/sellplace/plaque메ㄴ코/메ㄴ츠
:en:PararhymeC v Cgreat/groatsend/soundplace/plusse메ㄴ코/메ㄴ코
각운c V Cgreat/baitsend/bendplace/masse메ㄴ코/한코



공통되는 음소가 많은 운은 「풍부하다」고 말해진다(언어의 운 구조의 풍부함과는 다른 개념). 예를 들어 프랑스어의 ag'''ate'''/fré'''gate'''는 어미의 3음소가 공통되므로 풍부하고, bij'''ou'''/cl'''ou'''는 모음 1음소만 공통되므로 빈약하다. ai'''gre'''/ti'''gre'''는 자음 2음소가 공통되지만, 이와 같이 모음이 공통되지 않는 것은 자음운이며 각운으로는 간주되지 않는다.

6. 2. 1. 운율 구성



현대 유럽 여러 언어, 아랍어, 중국어를 포함한 많은 언어에서 시인들은 발라드, 소네트, 쌍행시와 같은 시 형식을 구성하는 요소로 일정한 패턴에 따라 각운을 사용해 왔다. 하지만 구조적인 각운의 사용법은 유럽 전통 내에서조차 보편적인 것은 아니다. 현대 시는 전통적인 운율 구성을 피하는 경우도 많다. 고대 그리스와 라틴 시는 각운을 사용하지 않았다.[247] 각운은 중세 성기(11~13세기 경)에, 부분적으로는 알 안달루스(오늘날의 스페인)의 아랍어 영향 아래 유럽으로 유입되었다.[247] 아랍어 시인들은 6세기 아랍 문학 발달 초기부터 그들의 긴 카시다(en:qasida)에서 각운을 대대적으로 사용했다.[81] 중국에서는 기원전의 『시경』, 『초사』에서 이미 각운이 사용되었다. 운율 구성의 일부는 특정 언어, 문화, 시대와 연결되었고, 일부는 여러 시대와 문화를 넘나들며 사용되었다. 시 형식 중에는 왕가 시형이나 루바이처럼 명확하게 정의된 일관된 운율 구성을 가진 것도 있는 반면, 가변적인 운율 구성을 가진 것도 있다.

운율 구성의 대부분은 각운의 조에 해당하는 문자로 나타낼 수 있다. 예를 들어 사행시의 1, 2, 4행이 韻을 맞추고 3행이 맞추지 않는다면, 이 사행시는 “a-a-b-a”의 운율 구성을 가진다고 한다. 이 운율 구성은 루바이 형식 등에서 사용된다.[248] 마찬가지로 “a-b-b-a”의 사행시는 (포옹운, en:enclosed rhyme이라고 불리며) 페트라르카식 소네트 등의 형식에서 사용된다.[249] 더 복잡한 운율 구성에는 옥타바 리마나 테르체타 리마처럼 “a-b-c”식 구성에서 벗어나 독자적인 이름을 가지게 된 것들도 있다. 다양한 운율 구성의 종류와 방법에 대해서는 “운율 구성” 항목을 참조한다.

6. 3. 시에서의 형식

시는 행, 연 또는 운문 단락, 그리고 칸토와 같은 연이나 행의 더 큰 결합과 같은 다양한 구조적 요소로 구성된다. 때로는 단어의 더 넓은 시각적 표현과 서예도 중요한 역할을 할 수 있다.[87][88][89] 이러한 시적 형식의 기본 단위는 종종 소네트와 같은 더 큰 구조, 즉 '시적 형식'으로 결합된다.

6. 3. 1. 행과 연

시는 종종 행단이라고 알려진 과정을 통해 페이지에 여러 행으로 나뉘어진다.[90] 시의 행들은 종종 연(시)으로 구성되는데, 이는 포함된 행의 수로 구분된다. 따라서 두 행의 집합은 쌍행시(또는 이구절시)이고, 세 행은 삼행시(또는 삼련시), 네 행은 사행시 등이다.[91] 이러한 행들은 운율이나 리듬으로 서로 관련될 수도 있고 그렇지 않을 수도 있다. 예를 들어, 쌍행시는 동일한 운율로 운을 맞춘 두 행이거나, 공통된 운율만으로 연결된 두 행일 수 있다.[91]

6. 3. 2. 시각적 표현

시집의 한 수. 왼쪽, 우마노 나이시:


인쇄술이 발명되기 이전에도 시의 시각적 외관은 종종 의미나 깊이를 더했다. 아크로스틱(Acrostic) 시는 시구의 첫 글자나 시의 특정 위치에 있는 글자들로 의미를 전달했다.[98] 아랍어, 히브리어 및 중국 시(Chinese poetry)에서 정교하게 서예된 시의 시각적 표현은 많은 시의 전반적인 효과에서 중요한 부분을 차지했다.[99]

인쇄술(printing)의 발명과 함께 시인들은 대량 생산된 작품의 시각적 표현에 대한 더 큰 통제력을 얻었다. 시각적 요소는 시인의 도구 상자의 중요한 부분이 되었고, 많은 시인들이 다양한 목적으로 시각적 표현을 활용하려고 노력했다. 일부 모더니스트 시인들은 페이지에 개별 시구나 시구 그룹을 배치하는 것을 시 구성의 필수적인 부분으로 만들었다. 때로는 이것은 다양한 길이의 시각적 시적 휴지(caesura)를 통해 시의 운율(rhythm)을 보완하거나, 의미, 모호성(ambiguity) 또는 반어(irony)을 강조하거나, 단순히 미적으로 즐거운 형태를 만들기 위해 병치(juxtapositions)를 만든다. 가장 극단적인 형태에서는 구체시(concrete poetry) 또는 의미 없는 글쓰기(asemic writing)로 이어질 수 있다.[100][101]

인쇄술이 등장하기 전부터 시의 시각적 외형은 종종 시에 의미와 심오함을 부여했다. 절구는 시행의 첫머리나 다른 특정 위치의 글자로 의미를 전달했다. 아랍 시, 히브리 시, 한시, 와카 등에서는 아름다운 서예로 쓰인 시의 시각적 표현이 많은 시에서 중요한 전체적 효과를 미쳤다.

인쇄술이 등장하면서 시인들은 대량 생산을 통해 더 많은 시각적 표현을 조종할 수 있게 되었다. 시각적 요소는 시인의 도구 상자의 중요한 부분이 되었고, 많은 시인들은 시각적 표현을 광범위한 목적으로 활용하려고 했다. 모더니즘 시인들 중에는 페이지 상에서 개별 시행이나 시행의 배열을 시의 구성의 불가분의 일부로 삼은 사람들도 있었다. 때로는 이것은 다양한 길이의 시각적인 카에수라를 통해 시의 리듬을 보충하거나, 병치를 만들어 의미나 다의성이나 아이러니를 부각시키거나, 또는 단순히 심미적으로 즐거운 형태를 만들어내는 데 사용되었다.[252] 가장 극단적인 형태로는 캘리그램이나 비의미적 서술 (asemic writing)과 같은 것이 있다.[253]

기욤 아폴리네르(ギヨーム・アポリネール)의 캘리그램(1915)


6. 4. 시어

시어는 언어 사용 방식을 다루며, 음운뿐만 아니라 밑바탕에 깔린 의미와 음운 및 형식과의 상호 작용까지도 포함한다.[102] 많은 언어와 시적 형식은 매우 특정한 시적 어휘를 가지고 있으며, 시를 위해 특별히 사용되는 독립적인 문법과 방언이 있을 정도이다.[103][104] 시의 레지스터는 20세기 후반의 많은 운율에서 선호되는 일반적인 말투의 엄격한 사용[105]에서부터 중세 및 르네상스 시대의 시에서와 같이 매우 화려한 언어 사용에 이르기까지 다양하다.[106]

시어에는 수사법인 직유와 은유뿐만 아니라 반어와 같은 어조도 포함될 수 있다.[254] 아리스토텔레스는 ''시학''에서 "은유를 마스터하는 것이 가장 위대한 일"이라고 썼다.[107][255] 모더니즘의 부상 이후, 일부 시인들은 수사적 장치를 축소하는 시적 어휘를 선택하여 사물과 경험의 직접적인 제시와 어조 탐구를 시도했다.[108] 반면, 초현실주의자들은 수사적 장치를 극한까지 밀어붙여 혼용법을 자주 사용했다.[109]

풍유적인 이야기는 많은 문화의 시적 어휘의 중심이며, 고대, 중세 후기 및 르네상스 시대의 서구에서 두드러졌다.[256] 시가 완전히 풍유적인 것은 아니지만, 전체 풍유를 구성하지 않고도 단어의 의미나 효과를 깊게 하는 상징이나 암시를 포함할 수 있다.[111]

시어의 또 다른 요소는 효과적인 생생한 이미지의 사용이다.[112] 예를 들어, 예상치 못한 또는 불가능한 이미지의 병치는 초현실주의 시와 하이쿠에서 특히 강력한 요소이다. 생생한 이미지는 종종 상징이나 은유를 부여받는다. 많은 시어는 효과를 위해 반복적인 구절을 사용하는데, 짧은 구절(호머의 "장미빛 손가락 새벽"이나 "포도주빛 바다"와 같이)이나 긴 후렴이 그 예이다. 이러한 반복은 시에 엄숙한 어조를 더하거나, 단어의 문맥이 바뀌면서 반어법으로 가득 차 있을 수 있다.[113] 예를 들어 셰익스피어의 『줄리어스 시저』에서 안토니가 반복하는 "브루투스는 고귀한 사람이기에"라는 말은 진지한 어조에서 풍자적인 어조로 변해 간다.[257]

7. 시의 형식

많은 문화권에서 각자 독자적인 시 형식을 발전시켜 왔다. 완성되고 널리 인정받은 시 형식에서는, 운율, 율격 등의 요소들이 일련의 규칙에 따른다. 엘레지처럼 비교적 느슨한 구성 규칙을 가진 것부터 가젤이나 빌라넬처럼 고도로 양식화된 구조를 가진 것까지 다양하다. 다음에서는 여러 언어에서 널리 사용되는 시 형식의 일부를 설명한다.[114]

소르타발라, 카렐리야의 콜미쿨만푸이스토 공원에 있는 루네송 가수 페트리 셰메이카 동상

7. 1. 소네트

소네트는 13세기경부터 14행으로 구성된 시 형식으로, 설정된 운율 체계와 논리적 구조를 따른다.[115] 14세기 이탈리아 르네상스 시대에 페트라르카(Petrarch)에 의해 형식이 확립되었으며, 그의 소네트는 16세기에 토마스 와이엇 경에 의해 번역되어 영국 문학에 도입되었다.[115]

전통적인 이탈리아 또는 페트라르카 소네트(Petrarchan sonnet)는 ''ABBA, ABBA, CDECDE''의 운율 체계를 따르지만, 마지막 6행(세스테트) 내에서 CDCDCD와 같은 변형도 흔하다.[116] 영시(또는 셰익스피어식) 소네트는 ABAB CDCD EFEF GG의 운율 체계를 따르며, 세 번째 4행 연(quatrain)과 마지막 2행 연(couplet)을 도입하고 이탈리아 전신보다 더 다양한 운을 사용한다. 관례적으로 영어 소네트는 일반적으로 5음보 암시경(iambic pentameter)을 사용하는 반면, 로망스어에서는 11음절시(hendecasyllable)과 알렉산드린(Alexandrine)이 가장 널리 사용되는 운율이다.

윌리엄 셰익스피어(William Shakespeare)


모든 유형의 소네트는 종종 ''볼타(volta)'' 또는 "전환"을 사용하는데, 이는 시에서 아이디어가 뒤집히거나 질문에 답하거나(또는 제기하거나) 주제가 더욱 복잡해지는 지점이다. 이 ''볼타''는 종종 이전 행의 내용을 반박하거나 복잡하게 만드는 "그러나" 문장의 형태를 취할 수 있다. 페트라르카 소네트에서 전환은 처음 두 개의 4행 연과 세스테트 사이의 구분 부근에 떨어지는 경향이 있는 반면, 영시 소네트는 일반적으로 마지막 2행 연의 시작 부분 또는 그 근처에 배치된다.

소네트는 특히 페트라르카의 영향과 에드먼드 스펜서(Edmund Spenser)(스펜서 소네트(Spenserian sonnet)에 그의 이름을 남김), 마이클 드레이턴(Michael Drayton), 그리고 그의 셰익스피어의 소네트(Shakespeare's sonnets)가 영시에서 가장 유명한 소네트 중 하나이며, 20편이 ''옥스퍼드 영시집(Oxford Book of English Verse)''에 포함되어 있기 때문에 높은 시적 어휘, 생생한 이미지, 낭만적인 사랑과 특히 관련이 있다.[117][258] 그러나 ''볼타''와 관련된 굴곡은 많은 주제에 적용 가능한 논리적 유연성을 허용한다.[118]

소네트의 초기 세기부터 현재까지의 시인들은 정치(존 밀턴(John Milton), 퍼시 비시 셸리(Percy Bysshe Shelley), 클로드 맥케이(Claude McKay)), 신학(존 던(John Donne), 제라드 매너리 홉킨스(Gerard Manley Hopkins)), 전쟁(윌프리드 오언(Wilfred Owen), E. E. 커밍스(E. E. Cummings)), 그리고 성별과 성적 취향(캐롤 앤 더피(Carol Ann Duffy))과 관련된 주제를 다루기 위해 이 형식을 사용해 왔다. 또한 테드 베리건(Ted Berrigan)과 존 베리먼(John Berryman)과 같은 포스트모더니즘 작가들은 소네트 형식의 전통적인 정의에 도전하여, 종종 운이 없거나 명확한 논리적 진행이 없거나 심지어 14행의 일관된 수조차 없는 "소네트"의 전체 시퀀스를 렌더링했다.

캐롤 앤 더피(Carol Ann Duffy)


일본에서는 메이지 시대 이후 가마하라 아리아케, 우에다 빈, 나카하라 추야, 타치하라 도조 등이 소네트로 시를 지었으며, 전쟁 중·전후에도 마티네 포에티크의 시인들이 정형 운율시의 시도로서 운율을 갖춘 소네트를 집단적으로 썼다.

7. 2. 시



시(詩, shī)는 고전 중국 시가의 주요 유형이다.[119] 이 시가 형식 내에서 가장 중요한 변형은 악부, 고시, 근체시이다. 악부는 민요 발라드 또는 민요 발라드 스타일로 쓰여진 시이며, 행의 수와 행의 길이는 불규칙적일 수 있다. 시의 다른 변형의 경우 일반적으로 4행시(절구) 또는 8행시가 일반적이며, 짝수 행이 운을 맞춘다. 행의 길이는 글자 수로 측정되며(하나의 글자가 하나의 음절에 해당하는 관례에 따라), 주로 5글자 또는 7글자로 되어 있으며, 마지막 세 음절 앞에 시적 휴지가 있다. 행은 일반적으로 끝맺음되며, 일련의 짝을 이룬 구절로 간주되며, 어구의 평행을 주요 시적 장치로 보여준다.[120]

고시(고체)는 근체시(근체시)보다 형식적으로 덜 엄격한데, 사예(謝朓)(441~513년) 시대에 이론적 기반이 마련되었지만, 천자앙(陳子昻)(661~702년) 시대까지 완전히 발전한 것으로 간주되지 않았다.[121] 고시 시로 유명한 시인의 좋은 예로 이백(李白)(701~762년)이 있다.

두보(杜甫)


근체시 규칙은 그 밖의 규칙들 중에서 시 내부의 음조 변화, 사성 패턴의 사용을 규제한다. 근체시의 기본 형식은 4행의 짝을 이룬 구절로 8행이며, 둘째와 셋째 짝을 이룬 구절의 행 사이에 평행이 있다. 평행선을 가진 짝을 이룬 구절은 대조적인 내용을 포함하지만 단어 간의 동일한 문법적 관계를 갖는다. 근체시는 종종 풍부한 시적 어휘를 가지고 있으며, 암시로 가득 차 있으며, 역사와 정치를 포함한 광범위한 주제를 다룰 수 있다.[122][123] 그 형식의 대가 중 한 명은 당나라(8세기) 시대에 활동한 두보(杜甫)(712~770년)이다.[124]

7. 3. 빌라넬

빌라넬은 5개의 3행 연(tercet)과 마무리 4행 연(quatrain)으로 이루어진 19행시다.[125] 이 시 형식은 두 개의 후렴구를 특징으로 하는데, 처음에는 첫 연의 첫 번째 줄과 세 번째 줄에 사용되고, 그 후에는 마지막 4행 연까지 각 연의 마지막에 번갈아 사용된다. 마지막 4행 연은 두 후렴구로 끝맺는다.[125] 시의 나머지 행들은 AB 교차 운율을 가진다.[125]

W. H. 오든


W. H. 오든


빌라넬은 19세기 후반 이후 딜런 토머스,[126][259] W. H. 오든,[127][260] 엘리자베스 비숍[128][261]과 같은 시인들에 의해 영어권에서 꾸준히 사용되어 왔다.

7. 4. 라이머릭

라이머릭은 5행으로 이루어진 시로, 종종 유머러스한 내용을 담고 있다.[129] “a-a-b-b-a”의 운율 구성을 갖는 엄격한 형식의 5행시로, 우스운 5행시 또는 익살 5행시라고도 불린다. 아일랜드의 리머릭주(리머릭 카운티라고도 함)에서 그 이름이 유래했다.

라이머릭에서는 리듬이 매우 중요한데, 첫 번째, 두 번째, 다섯 번째 줄은 7음절에서 10음절로 구성되어야 한다. 그러나 세 번째와 네 번째 줄은 5음절에서 7음절로 구성되면 된다. 1행, 2행, 5행은 서로 운을 맞추고, 3행과 4행은 서로 운을 맞춘다.[129] 에드워드 리어에 의해 영국에서 널리 알려졌으며,[129] 테니슨 경(Lord Alfred Tennyson), 러디어드 키플링, 로버트 루이스 스티븐슨이 라이머릭을 즐겨 사용했다.[129]

7. 5. 단카

가카모토노 히토마로는 아스카 시대 초기에 활동한 시인으로, 당시 일본은 중국식 형태를 따르는 시에서 벗어나고 있었다.[131] 단가(短歌)는 운이 없는 일본 시의 한 형태로, 총 31음절(온(On)으로, 음절(Mora)과 동일)로 구성되며, 5-7-5-7-7 음절의 패턴을 따른다.[130] 일반적으로 상단 5-7-5 음절과 하단 7-7 음절 사이에는 어조와 주제가 변화한다. 단가는 원래 일본의 정형시(일반적으로 "와카"라고 불림) 중 짧은 형태였으며, 공적인 주제보다는 개인적인 주제를 탐구하는 데 더 많이 사용되었다. 10세기가 되면서 단가는 일본 시의 주요 형태가 되어, 원래 일반적인 용어였던 "와카"는 단가를 가리키는 용어로만 사용되게 되었다.[132] 단가는 오늘날에도 널리 쓰이고 있다.[132] 련가(連歌)라고 불리는 여러 사람이 함께 짓는 단가의 연작도 행해졌다. 또한 단가 형식으로 풍자, 비꼼, 해학을 담은 것을 광가(狂歌)라고 부른다.

7. 6. 하이쿠

하이쿠는 17세기에 렌쿠(renku)의 첫 구절인 핫쿠(hokku)에서 발전한, 운이 없는 일본의 대중적인 시 형식이다.[133] 일반적으로 한 줄로 세로로 작성되며, 총 17온(on)으로 구성되고 5-7-5의 형식을 따른다. 전통적으로 키레지라고 하는, 보통 시의 세 부분 중 한 부분의 끝에 놓이는 '끊는 말'과 키고라고 하는 계절 단어를 포함한다.[134] 마쓰오 바쇼(1644–1694)는 하이쿠의 가장 유명한 작가이다.[135][262]

5-7-5 형식이지만, 계절어나 키레지의 규칙 없이 더 서민적인 내용을 다루는 것을 가와라유라고 부른다.

7. 7. 흘롱

흘롱(kʰlōːŋ/โคลงth)은 가장 오래된 태국 시 형식 중 하나이다.[136] 이는 특정 음절의 성조 표기를 요구하는데, '''마이엑'''() 또는 '''마이토'''()로 표기되어야 한다. 이는 태국어가 세 가지 성조(오늘날의 다섯 가지 성조와는 대조적으로, 아유타야 왕국 시대에 분할됨)를 가지고 있던 시대에서 유래한 것으로 보이며, 그중 두 가지는 앞서 언급한 표기와 직접적으로 일치한다. 흘롱은 일반적으로 고급스럽고 세련된 시 형식으로 여겨진다.[136]

흘롱에서 연('''봇''', bòt/บทth)은 종류에 따라 여러 줄('''밧''', bàːt/บาทth, 팔리어와 산스크리트어 ''pāda''에서 유래)을 갖는다. 밧은 두 개의 '''왁'''(wák/วรรคth, 산스크리트어 ''varga''에서 유래)으로 세분된다. 첫 번째 왁은 다섯 음절이고, 두 번째 왁은 종류에 따라 음절 수가 다르며 선택적일 수 있다. 흘롱의 종류는 연에 있는 밧의 수로 명명되며, '''흘롱 수파프'''(kʰlōːŋ sù.pʰâːp/โคลงสุภาพth)와 '''흘롱 단'''(kʰlōːŋ dân/โคลงดั้นth)의 두 가지 주요 유형으로 나눌 수 있다. 두 유형은 마지막 밧의 두 번째 왁의 음절 수와 연간 운율 규칙이 다르다.[136]

7. 8. 송시

송시는 핀다로스와 같은 고대 그리스 시인과 호라티우스와 같은 라틴 시인들이 처음으로 발전시켰다. 송시의 형태는 그리스와 라틴의 영향을 받은 많은 문화권에서 나타난다.[137] 송시는 일반적으로 구절(strophe), 대구절(antistrophe), 그리고 종결구(epode)의 세 부분으로 구성된다. 구절과 대구절은 유사한 운율 구조를 가지고 있으며, 전통에 따라 유사한 각운 구조를 갖는다. 반대로 종결구는 다른 방식과 구조로 쓰여진다. 송시는 형식적인 시적 어휘를 사용하며 일반적으로 심각한 주제를 다룬다. 구절과 대구절은 종종 상반되는 관점에서 주제를 바라보며, 종결구는 더 높은 차원으로 나아가 근본적인 문제를 검토하거나 해결한다. 송시는 종종 두 개의 합창단(또는 개인)이 낭송하거나 노래하기 위한 것으로, 첫 번째 합창단이 구절을, 두 번째 합창단이 대구절을, 그리고 두 합창단이 함께 종결구를 낭송한다.[138] 시간이 지남에 따라 송시의 형태는 형식과 구조에 상당한 변화를 보이며 발전해왔지만, 일반적으로 핀다로스식 또는 호라티우스식 송시의 원래 영향을 보여준다. 서구 이외의 형태로 송시와 유사한 것은 아랍 시가의 카시다(qasida)이다.[139]

7. 9. 가잘

가젤(ghazal, ghazel, gazel, gazal, 또는 gozol)은 아랍어, 벵골어, 페르시아어 및 우르두어에서 흔히 볼 수 있는 시 형식이다.[140] 고전적인 형태에서 가젤은 5~15행의 운율적인 2행시로 구성되며, 각 행은 동일한 운율과 길이를 갖는다. 가젤은 종종 얻을 수 없는 사랑이나 신성에 대한 주제를 반영한다.[141]

우르두어의 준 음악적 시적 어법을 가진 형식 등 많은 변형이 개발되었다.[142] 가젤은 수피즘과 고전적인 친화성을 가지고 있으며, 많은 주요 수피 종교 작품이 가젤 형식으로 쓰여졌다. 비교적 일정한 운율과 후렴구의 사용은 주술적인 효과를 만들어내는데, 이는 수피 신비주의 주제를 잘 보완한다.[143] 이 형식의 거장들 중에는 13세기 유명한 페르시아 시인 루미,[144] 루미가 자신의 스승으로 여긴 12세기 이란 수피 신비주의 시인 니샤푸르의 아타르,[145] 그리고 그들과 동시대의 유명한 하피즈가 있다. 하피즈는 가젤을 사용하여 위선과 세속적인 함정을 드러내지만, 신성한 깊이와 세속적인 미묘함을 표현하기 위해 이 형식을 전문적으로 활용한다. 거트루드 벨의 ''Poems from the Divan of Hafiz''[146]와 ''Beloved: 81 poems from Hafez''는 영어로 번역을 시도한 작품이다. 하피즈의 가젤은 많은 분석, 논평 및 해석의 대상이 되어 14세기 이후 페르시아 문학에 다른 어떤 작가보다 더 큰 영향을 미쳤다.[148][149] 요한 볼프강 폰 괴테의 서동시집(서구와 동구의 시집)은 페르시아 시인 하피즈에게 영감을 받았다.[150][151][152]

8. 시의 장르

시는 종종 서로 다른 장르와 하위 장르로 분류된다. 시적 장르는 일반적으로 주제, 스타일 또는 다른 광범위한 문학적 특징을 기반으로 하는 시의 전통 또는 분류이다.[153] 어떤 논평가들은 장르를 문학의 자연스러운 형태로 본다. 다른 논평가들은 장르 연구를 서로 다른 작품들이 어떻게 관련되고 다른 작품들을 참조하는지에 대한 연구로 본다.[154]

개별 형식 외에도, 시는 다양한 장르나 하위 장르로 인식되기도 한다. 시의 장르는 일반적으로 주제, 스타일, 기타 더 넓은 문학적 특징에 기반한 시의 전통 또는 분류이다.[273] 장르를 문학의 자연스러운 형식으로 여기는 비평가도 있다.[274] 또한 장르를 서로 다른 작품들이 어떻게 다른 작품들과 관련되어 언급되는지를 연구하는 것으로 여기는 비평가도 있다.[275]

서사시는 널리 인정되는 장르 중 하나이며, 그 시대의 문화에 있어 영웅적이거나 중요한 성격의 사건에 관한 장대한 시로 종종 정의된다.[276] 서정시 또한 널리 인정되는 장르이며, 짧고 아름다운 어조를 가지며, 관조적인 경향을 지닌다. 비평가에 따라서는 더 세부적인 하위 장르로 시를 분류하고, 개별 시는 여러 다른 장르에 동시에 속한다고 간주하기도 한다.[277] 많은 경우, 공통된 전통의 결과로 시의 장르는 문화를 초월하여 동일한 특성을 보인다.

일반적인 장르들을 몇 가지 기술하지만, 장르의 분류, 그 특징의 기술, 그리고 시를 장르로 분류하려는 이유 자체조차도 다양한 형태를 취할 수 있다.

8. 1. 서사시

서사시는 이야기를 들려주는 시의 한 장르이다. 넓게 보면 서사시를 포함하지만, "서사시"라는 용어는 일반적으로 더 많은 대중적 관심을 끄는, 더 작은 작품에 사용되는 경우가 많다.[155] 서사시는 가장 오래된 시의 유형일 수 있다. 많은 호메로스 학자들은 그의 ''일리아드''와 ''오디세이''가 개별 에피소드를 다룬 더 짧은 서사시의 편집으로 구성되었다고 결론지었다.[155]

스코틀랜드인과 잉글랜드인의 발라드(Ballad)와 슬라브인의 영웅시와 같은 많은 서사시는 문자 이전의 구전에 뿌리를 둔 퍼포먼스 시이다.[155] 운율, 두운(頭韻法), 케닝(Kenning)과 같이 산문과 시를 구분하는 특징 중 일부는 전통적인 이야기를 낭송하는 吟遊詩人(吟遊詩人)을 위한 기억술(記憶術)로 사용되었을 것이라고 추측되어 왔다.[155]

주목할 만한 서사시 시인으로는 오비디우스(Ovidius), 단테 알리기에리(Dante Alighieri), 후안 루이스(Juan Luis), 조지프 쇼서(Geoffrey Chaucer), 윌리엄 랭글랜드(William Langland), 루이스 데 카몽이스(Luís Vaz de Camões), 윌리엄 셰익스피어(William Shakespeare), 알렉산더 포프(Alexander Pope), 로버트 번스(Robert Burns), 페르난도 데 로하스(Fernando de Rojas), 아담 미츠키에비치(Adam Mickiewicz), 알렉산드르 푸시킨(Aleksandr Pushkin), 에드거 앨런 포(Edgar Allan Poe), 알프레드 테니슨(Alfred Tennyson) 등이 있다.

조선 시대의 서사시


조지프 쇼서(Geoffrey Chaucer)

8. 2. 서정시

서정시는 서사시나 극시와 달리 이야기를 전달하려는 시도를 하지 않고, 더 개인적인 성격을 띤 장르이다.[156] 이 장르의 시는 짧고, 선율적이며, 사색적인 경향이 있다. 등장인물과 행동을 묘사하기보다는 시인 자신의 감정, 심적 상태, 인식을 보여준다.[156] 서양의 서정시(, )는 리라(lyre)를 어원으로 하며, 노래하는 것이라는 함의가 있지만, 실제 서정시에는 순수하게 읽히는 것을 전제로 한 것도 많다. 일본의 와카는 말 그대로 "노래"이며, 그 대부분이 서정시(혹은 풍경만을 읊는 서경시)였다.

크리스틴 드 피잔 (왼쪽)


서정시는 옛날부터 사랑을 주제로 한 것으로 알려져 왔지만, 많은 궁정적 연애(민네(Minne)) 시인들은 또한 전쟁과 평화, 자연과 향수, 슬픔과 상실 등을 다룬 서정시도 썼다. 그중 15세기 프랑스의 서정시인 크리스틴 드 피잔(Christine de Pizan)과 샤를 드 발루아(오를레앙 공)(Charles de Valois)이 유명하다. 영성이나 종교적인 주제도 십자가의 요한(John of the Cross)이나 아빌라의 테레사(Teresa of Ávila)와 같은 신비주의 서정시인에 의해 노래되었다. 영적인 경험에 기반한 서정시의 전통은 후대의 존 던(John Donne), 제럴드 매너리 홉킨스(Gerard Manley Hopkins), 안토니오 마차도(Antonio Machado), T. S. 엘리엇(T.S. Eliot) 등의 시인들에게도 계승되고 있다.

이 장르의 주목할 만한 시인으로는 크리스틴 드 피잔, 존 던, 샤를 보들레르(Charles Baudelaire), 제러드 매너리 홉킨스, 안토니오 마차도, 에드나 생빈센트 밀레이(Edna St. Vincent Millay) 등이 있다.[156]

서양 서정시에서 가장 일반적인 형식은 14행의 소네트이며, 페트라르카(Francesco Petrarca)나 셰익스피어도 실천했지만, 그 외에도 서정시에는 다양한 형식이 있으며, 20세기 이후로는 운율이 없는 것도 증가하고 있다. 작가 자신의 감정과 생각을 다루는 서정시는 시에서 가장 일반적인 장르가 되고 있다. 명확한 형태를 갖지 않고, 보다 자유로운 스타일을 취하는 사람도 있다. 예를 들어 랩 가사는 비트를 동반한 시라고 생각될 수도 있다.

8. 3. 서사시

서사시는 시의 한 장르이자 주요한 서사 문학의 형식으로,[157] 영웅적이거나 신화적인 인물 또는 집단의 삶과 업적을 묘사한다.[157]

호머의 ''일리아스''와 ''오디세이아'', 베르길리우스의 아이네이스, ''니벨룽겐의 노래'', 카모이스(Luís Vaz de Camões)의 ''루지아다스'', ''미오 시드의 노래'', ''길가메시 서사시'', ''마하바라타'', 뢰른로트(Elias Lönnrot)의 ''칼레발라'', 발미키의 ''라마야나'', 피르도우시의 ''샤흐나메'', 니자미(Nezami)의 햄세(다섯 권의 책), 그리고 ''게사르 왕 서사시'' 등이 서사시에 해당한다.

카모이스(Luís Vaz de Camões)


20세기 초 이후 서구에서 서사시와 장시 작문은 덜 흔해졌지만, 에즈라 파운드의 ''칸토스'', H.D.(Hilda Doolittle)의 ''이집트의 헬렌'', 윌리엄 카를로스 윌리엄스의 ''패터슨''과 같은 주목할 만한 서사시들이 쓰였다. 데릭 월콧은 1992년 그의 서사시 ''오메로스''를 바탕으로 노벨상을 수상했다.[158][278]

8. 4. 풍자시

로마에는 종종 정치적 목적으로 쓰인 풍자 시의 강력한 전통이 있었다. 주목할 만한 예로는 로마 시인 유베날리스의 풍자시가 있다.[159] 이는 영국의 풍자 전통에서도 마찬가지다. 최초의 영국 계관시인인 존 드라이든(토리당 소속)은 1682년에 부제가 "진정한 블루 프로테스탄트 시인 T.S.에 대한 풍자"인( 토마스 섀드웰을 가리킴) ''맥 플렉노''를 발표했다.[160] 존 윌모트 또한 17세기 영국 풍자시의 명수였으며, 『인류에 대한 풍자』(1675)와 『찰스 2세의 풍자』 등의 가차 없는 풍자로 알려졌다. 알렉산더 포프 또한 풍자시로 유명하며, 『비평론』(1709)에서 비평가들을 질책한 것으로 유명하다.

영국 외의 풍자 시인으로는 폴란드의 이그나치 크라시츠키, 아제르바이잔의 사비르, 포르투갈의 마누엘 마리아 바르보사 두 보카주가 있다. 일본에서도 헤이안 시대부터 풍자적인 의미를 담은 쿄카가 쓰여졌고, 익명으로 쿄카를 게시하여 정치 비판 등을 하는 "라쿠슈"의 관행이 있었다.

8. 5. 엘레지

엘레지는 슬프고, 우울하거나 애처로운 시, 특히 죽은 자를 위한 비가 또는 장례식 노래를 말한다.[161][162] 원래 특정한 운율(엘레지적(elegiac) 운율)을 가리키던 용어였으나, 일반적으로 슬픔을 표현하는 시를 가리킨다. 엘레지는 또한 저자에게 이상하거나 신비롭게 보이는 것을 반영할 수도 있으며, 죽음, 더 일반적으로 슬픔 또는 신비로운 무언가에 대한 반성으로서 서정시의 한 형태로 분류될 수 있다.[161][162]

엘레지 시의 주목할 만한 시인으로는 프로페르티우스(Propertius), 호르헤 만리케(Jorge Manrique), 얀 코하노프스키(Jan Kochanowski), 키디오크 티치번(Chidiock Tichborne), 에드먼드 스펜서(Edmund Spenser), 벤 존슨(Ben Jonson), 존 밀턴(John Milton), 토마스 그레이(Thomas Gray), 샬럿 스미스(Charlotte Smith (writer)), 윌리엄 컬렌 브라이언트(William Cullen Bryant), 퍼시 비시 셸리(Percy Bysshe Shelley), 요한 볼프강 폰 괴테(Johann Wolfgang von Goethe), 예브게니 바라틴스키(Evgeny Baratynsky), 알프레드 테니슨(Alfred Tennyson), 월트 휘트먼(Walt Whitman), 안토니오 마차도(Antonio Machado), 후안 라몬 히메네스(Juan Ramón Jiménez), 윌리엄 버틀러 예이츠(William Butler Yeats), 라이너 마리아 릴케(Rainer Maria Rilke), 그리고 버지니아 울프(Virginia Woolf)가 있다.

토마스 그레이(Thomas Gray)

8. 6. 우화시

우화는 고대의 문학 장르로, 종종 운문으로 쓰여진다.[163] 간결한 이야기로, 의인화된 동물, 전설 속 생물, 식물, 무생물 또는 자연의 힘을 통해 도덕적 교훈("교훈")을 보여준다.[163] 운문 우화는 다양한 운율과 각운 패턴을 사용해 왔다.[163]

크라시츠키


주목할 만한 운문 우화 작가로는 아이소포스, 비슈누 샤르마, 파에드루스, 마리 드 프랑스, 로버트 헨리슨, 비에르낫 루블린스키, 장 드 라 퐁텐, 이그나치 크라시츠키, 펠릭스 마리아 데 사마니에고, 토마스 데 이리아르테, 이반 크리로프, 앰브로즈 비어스 등이 있다.

8. 7. 극시

극시는 운문으로 쓰여져 낭송되거나 노래되는 극으로, 여러 문화권에서 다양하고 때로는 관련된 형태로 나타난다. 운문으로 쓰인 그리스 비극은 기원전 6세기로 거슬러 올라가며, 산스크리트 극의 발전에 영향을 미쳤을 가능성이 있다.[164] 마찬가지로 인도 극은 중국에서 변문(bianwen) 운문극, 즉 중국 오페라의 전신의 발전에 영향을 준 것으로 보인다.[165] 동아시아의 운문극에는 일본 노극(Noh)도 포함된다. 페르시아 문학에서 극시의 예로는 니자미의 두 편의 유명한 극작품인 『라이라와 마주눈(Layla and Majnun)』과 『호스로와 시린(Khosrow and Shirin)』, 피르도우시(Ferdowsi)의 비극인 『로스타미와 소흐랍(Rostam and Sohrab)』, 루미(Rumi)의 『마스나비(Masnavi)』, 고르가니(Asad Gorgani)의 비극 『비스와 라민(Vis and Ramin)』, 바흐시(Vahshi Bafqi)의 비극 『파르하드(Farhad)』 등이 있다. 20세기 미국의 시인들은 "세스티나: 알타포르테(Sestina: Altaforte)"[166]의 에즈라 파운드(Ezra Pound), "J. 알프레드 프루프록의 연가(The Love Song of J. Alfred Prufrock)"[167][168]의 T.S. 엘리엇(T.S. Eliot)을 포함하여 극시를 부활시켰다.

괴테(Goethe)

8. 8. 상상문학 시

에드거 앨런 포는 때때로 "상상문학 시의 아버지"로 여겨진다.[169]

에드거 앨런 포


상상문학 시는 공상 시라고도 알려져 있으며, 외삽법을 통해 공상과학 소설에서처럼 또는 공포 소설에서처럼 기괴하고 끔찍한 주제를 통해 "현실 너머"의 주제를 다루는 시 장르이다.[169] 이러한 시는 현대 공상과학 소설과 공포 소설 잡지에 자주 등장한다.

포의 이 장르에서 가장 주목할 만한 업적은 1848년 그의 당시에는 많은 비웃음을 샀던 수필 ''유레카: 산문시''에서 우주의 기원에 대한 빅뱅 이론을 75년이나 앞서 예상한 것이다.[170][171]

8. 9. 산문시

보들레르


산문시는 산문과 시의 특징을 모두 보여주는 혼합 장르이다. 초단편 소설(단편 소설, 플래시 소설)과 구분하기 어려울 수 있다.[172] 간결성, 은유의 사용, 언어에 대한 각별한 주의 등의 이유로 시로 간주된다.

일반적으로 산문시는 19세기 프랑스에서 알로이지우스 베르트랑, 샤를 보들레르, 아르튀르 랭보, 스테판 말라르메 등의 (상징파) 시인들의 실천에 의해 시작된 것으로 생각된다.[172]

그 후, 이 장르에는 많은 언어로 주목할 만한 예가 나타났다.

  • 영어(English): 오스카 와일드, T.S. 엘리엇, 거트루드 스타인, 셔우드 앤더슨, 앨런 긴즈버그, 셰이머스 히니, 러셀 에드슨, 로버트 블라이, 찰스 시믹, 조세프 콘래드
  • 프랑스어(French): 막스 자코브, 앙리 미쇼, 프랑수아 퐁주, 장 타르뒤, 장-피에르 바로통
  • (현대) 그리스어(Greek): 안드레아스 엠비리코스, 니코스 엥고노프로스
  • 이탈리아어(Italian): 에우제니오 몬탈레, 살바토레 콰시모도, 주세페 운가레티, 움베르토 사바
  • 폴란드어(Polish): 볼레스와프 프루스, 즈비그니에프 헤르베르트
  • 포르투갈어(Portuguese): 페르난두 페소아, Mário Cesariny de Vasconcelos, Mário de Sá-Carneiro, 왈터 소론, 우제니우 지 안드라지, 알 베르토, 알렉산드레 오닐, 조제 사라마구, 안토니우 로보 안투네스
  • 러시아어(Russian): 이반 투르게네프, 레지나 데리예바, 아나톨리 쿠드랴비츠키(하이쿠 시인으로도 알려짐)
  • 스페인어(Spanish): 옥타비오 파스, 잔니나 브라스키(스페인어, 영어, 스패니시로 작품 활동), 안헬 크레스포, 훌리오 코르타사르, 루벤 다리오, 올리베리오 기론도
  • 스웨덴어(Swedish): 토마스 란스트뢰머
  • 벵갈어(Bengali): 마이클 마두수단 닷타, 라빈드라나트 타고르
  • 일본어(Japanese): 하기와라 사쿠타로, 미요시 다치, 다무라 류이치, 이리자와 야스오, 타니가와 슌타로


훌리오 코르타사르


특히 1980년대 후반 이후로 산문시는 인기를 얻어, ''The Prose Poem: An International Journal''[173], ''Contemporary Haibun Online''[174], ''Haibun Today''[175] 와 같이 이 장르와 그 하이브리드에 전념하는 저널들이 생겨났다. 20세기 라틴 아메리카 시인 중 산문시를 쓴 작가로는 옥타비오 파스와 알레한드라 피사르니크가 있다.

8. 10. 경시

경시(light poetry) 또는 경시(light verse)는 유머를 시도하는 시이다. "가벼운" 것으로 간주되는 시는 일반적으로 간결하며, 경솔하거나 진지한 주제를 다룰 수 있으며, 종종 말장난, 모험적인 운율 및 과도한 두음법을 특징으로 한다. 몇몇 자유시 시인들이 형식적인 운문 전통 밖에서 경시에 능숙했지만, 영어의 경시는 일반적으로 적어도 몇 가지 형식적 관습을 따른다. 경시는 때때로 엉터리 시로 비난받거나, 무심코 지어진 시로 여겨지지만, 유머는 종종 미묘하거나 파괴적인 방식으로 진지한 점을 지적한다. 가장 유명한 "진지한" 시인들 중 많은 수가 경시에도 능숙했다.

루이스 캐럴

8. 11. 시 낭송

시 낭송은 청중 앞에서 감정적이고 개인적이거나 사회적인 문제 또는 다른 문제들에 대해 큰 소리로 이야기하는 것이다. 시 낭송 공연자들은 단어 놀이, 억양 및 음성 변화의 미학에 중점을 둔다.[178] 시 낭송은 종종 전용 "시 낭송" 대회에서 경쟁적인 성격을 띤다.[178]

마크 스미스(Marc Kelly Smith)


시 낭송 장르는 1986년 시카고, 일리노이주에서 마크 켈리 스미스(Marc Kelly Smith)가 최초의 낭송 대회를 개최하면서 시작되었다.[176][177]

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